„Dress in light and shadow“ Raffaele Ingegno

Warum man experimentieren sollte und warum es sich lohnt, Inspiration aus der Arbeit anderer Fotografen zu schöpfen, sowie über die Hintergründe und den Entstehungsprozess des außergewöhnlichen Projekts „Dress in light and shadow“ erzählt Raffaele Ingegno.

Meine Inspiration war die Arbeit von George Mayer, einem herausragenden russischen Fotografen, geboren 1985, der wunderschöne Bildserien geschaffen hat, indem er viel mit Doppelbelichtung, Spiegeln, Farben, Schatten und geometrischen Mustern experimentierte. Er fotografierte hauptsächlich Menschen und ließ sich von den Schatten ihrer Silhouetten inspirieren, die er oft mit leuchtenden geometrischen Formen kombinierte.

Ich selbst wollte mit dieser Idee experimentieren, um meine Fähigkeiten und die Möglichkeit, Lichtkanten und projizierte Schatten präzise einzusetzen, weiterzuentwickeln. So entstand das Foto von Chiara Bianchino, gekleidet in ein elegantes schwarzes Kleid.

Ich wollte keinen Projektor verwenden, weil mir die Idee zu banal erschien. Es gibt viele Fotos, die mit einem Projektor aufgenommen wurden, und ich wollte nicht dasselbe Schema wiederholen. Vielleicht werde ich diese Technik in Zukunft nutzen wollen, um etwas Neues zu schaffen, aber dieses Mal konzentrierte ich mich ausschließlich auf das Spiel von Licht und Schatten.

Ich dachte lange über die technische Frage nach und stellte mir die Frage: Könnte man statt Schatten als zeichnendes Element vielleicht Licht verwenden? Schon nach wenigen Tagen machte ich mich an die Arbeit und begann zu experimentieren. Ich musste wissen, ob es machbar ist und ob der entstehende Effekt für das Auge angenehm und visuell stimmig sein würde. Auf dem Foto mit Chiara ist alles, was im Schatten liegt, fast vollständig unsichtbar und bildet so ein perfekt schwarzes Kleid aus Schatten. Bei der Fotografie, die ich nun schaffen wollte, sollte es dagegen umgekehrt sein – das Licht sollte die Rolle der Kleidung übernehmen. Ich musste also ausgewählte Körperpartien des Models so beleuchten, dass der Körper unlesbar wird und sein ursprüngliches Bild verliert. Im Grunde wollte ich ein Kleid aus Licht erschaffen.

Der Schlüssel liegt im Verständnis von hartem und weichem Licht

Ersteres tritt auf, wenn es einen klaren und schnellen Übergang von hellen Bereichen zu Schatten gibt. Weiches Licht hat einen sehr fließenden und sanften Übergang von hellen zu schattigen Bereichen. Diese zwei grundlegenden Lichtarten lassen sich leicht erzielen. Alles hängt von der Lichtquelle ab – also davon, wie groß sie ist und wie sie im Verhältnis zum Model positioniert wird. Ich habe bemerkt, dass viele Fotografen, um einen Schatten im Gesicht zu korrigieren, der etwas zu stark oder ungünstig platziert ist, die Lampe vom Model entfernen – als wäre die Lichtleistung das Problem. Nichts könnte falscher sein. Hartes Licht entsteht durch die Verwendung eines kleinen Lichtformers, weiches Licht dagegen durch die Verwendung eines großen. Wenn ich einen kleinen Stroboss ohne jeglichen Diffusor zur Verfügung habe, arbeite ich mit einer Lichtquelle von wenigen Zentimetern Durchmesser, die sehr klein ist und sehr deutliche Schatten erzeugt. Wenn ich dasselbe Speedlite in eine sehr große Softbox setze, erzeuge ich weiches Licht.

Am wichtigsten ist die Entfernung zum fotografierten Objekt

In Wirklichkeit hängt die Größe des Lichtformers von der Entfernung der Lichtquelle zum Objekt ab. Wenn ich eine Softbox verwende, um das Licht weicher zu machen, muss ich sie gleichzeitig möglichst nah am Model platzieren, damit das Licht tatsächlich weich ist. Wenn ich sie 10 Meter vom Objekt entfernt aufstelle, erhalte ich kein weiches Licht. Zum Beispiel ist die Sonne unvergleichlich größer als die Erde, gleichzeitig aber sehr weit von ihr entfernt. Das Ergebnis sind sehr harte und deutliche Schatten an einem sonnigen, wolkenlosen Tag. Anders ist es bei Nebel oder wenn der Himmel bewölkt ist – dann bilden die Wolken eine Art „Softbox“, die das Sonnenlicht dämpft, aber auch streut.

Kehren wir jedoch zu unserem Hauptthema zurück, also zum Prozess der Bildentstehung. Es dauerte einige Zeit, alles so zu synchronisieren, dass es gut funktionierte. Ich verwendete nur eine Lichtquelle sowie etwas natürliches Licht (Available Light), das durch das Fenster ins Studio fiel. Ich stellte die Dauerlichtlampe Quadralite Atlas LED auf und schnitt eine Kartonmaske (Gobo) aus, mit der ich das Gesicht und das Dekolleté des hypothetischen Kleides des Models nicht beleuchten würde. Diese Bereiche werden nicht von der Lampe beleuchtet – sie sind sichtbar, weil sie von dem Licht erhellt werden, das ich in den Raum „hereingelassen“ habe. Ehrlich gesagt hatte das Model die meisten Schwierigkeiten, denn sie konnte sich nicht bewegen und nicht frei arbeiten. Sie musste diese Position einnehmen und die ganze Zeit regungslos stehen, damit ich genau die Bereiche beleuchten konnte, die mir am wichtigsten waren. Dafür gebührt meinem Model großer Applaus für Hingabe und Geduld!

Neben der Platzierung der LED-Lampe ohne Lichtformer (was für das Model wegen des starken, direkt auf sie gerichteten Lichts wenig angenehm war) musste ich mich um zwei weitere sehr wichtige Aspekte kümmern, nämlich um den Abstand des Models zum grauen Hintergrund sowie um den Abstand der Kartonmaske zum Model. Gerade dieser zweite Abstand ist außerordentlich wichtig, weil er in hohem Maße über die Präzision des Übergangs zwischen Licht und Schatten entscheidet. Das ist entscheidend dafür, die Haut als eine Art Stoff wahrzunehmen. Der Übergang muss sehr entschieden sein.

Um das zu erreichen, muss die Maske oder jeder Gegenstand, der einen Schatten auf den Körper wirft, sehr nah an der fotografierten Person platziert werden. Um das zu überprüfen, reicht ein einfacher Test, etwa mit der Taschenlampe im Smartphone. Wir haben einen sehr kleinen Lichtstrahl in Form einer LED, den wir auf eine Wand richten und beobachten können, was mit dem Schatten passiert, wenn wir unsere Hand davor bewegen. Wenn wir unsere Hand nah an die Lichtquelle halten, wird der Schatten groß und an den Konturen nicht besonders scharf sein. Wenn wir die Hand an die Wand halten, auf die das Licht fällt, wird der Schatten kleiner, aber an den Konturen sehr deutlich.

Genau dasselbe musste ich im Studio tun. Ich platzierte die zuvor angefertigte Kartonmaske nah genug am Model, um sehr detailreiche Schatten zu erzielen. Um die Illusion eines Kleides aus Licht zu verstärken, verwendete ich außerdem eine geringe Schärfentiefe, was in Kombination mit dem starken Licht genau den Effekt ergab, den ich erzielen wollte. Die Belichtung war so eingestellt, dass das Gesicht, das vom vorhandenen Licht beleuchtet wurde, leicht unterbelichtet war, während der Körper stark von der Lampe beleuchtet wurde.

Bei einigen Tests, wie man in der obigen Bildserie ohne jegliche Postproduktion sehen kann, versuchte ich, den Hintergrund mit einem anderen Licht von Schatten zu befreien, aber ich konnte damit nur einen überbelichteten Hintergrund erzeugen, der mit dem Körper des Models verschmolz. Ich arbeitete daran, etwas sehr schwach Beleuchtetes korrekt zu belichten, daher hätte jede andere Lichtquelle, selbst mit geringer Intensität, die Szene verunreinigt und die Arbeit erschwert.

Das Endergebnis meiner Experimente ist zufriedenstellend und ich bin sehr glücklich damit. Es ist ein hervorragendes Beispiel dafür, dass es sich lohnt, aus der Arbeit anderer Fotografen zu schöpfen und auf dieser Grundlage eigene Bilder aufzubauen. Auf diese Weise trainieren wir nicht nur unsere Fähigkeiten im Umgang mit dem Equipment, sondern haben auch einen Moment, um über einige Aspekte konzeptueller Natur nachzudenken. Schließlich ist das, was und wie wir wahrnehmen, direkt mit dem Spiel von Licht und Schatten verbunden. Ich habe nicht vor, es dabei zu belassen, und arbeite bereits daran, noch umfangreichere und präzisere Kreationen zu schaffen, die Schatten und Licht verbinden. Dazu möchte ich auch Euch ermutigen!

Text und Fotos – Raffaele Ingegno